Музейный маршрут для всей семьи

Памятник III Интернационалу был создан основоположником конструктивизма Владимиром Татлиным. Шедевр искусства ХХ века, «Башня Татлина» стала прообразом архитектуры модернизма. Архитектурный монумент был заказан художнику по случаю основания в 1919 году Коммунистического интернационала — международной организации, объединившей компартии разных стран. В Башне должны были разместиться различные организации Коминтерна.

Основой конструкции этого авангардного здания стали две стальные спирали, опирающиеся на наклонную мачту. Внутри сооружения размещались стеклянные здания в форме куба, пирамиды и цилиндра, увенчанные полусферой. Предполагалось, что они будут вращаться внутри стального каркаса с разной скоростью. Нижнее здание, построенное в виде куба, было предназначено для конференций и съездов, в пирамиде располагались исполнительные органы, в цилиндре — информационное бюро, телеграф, издательство. Башня могла бы стать символом воссоединения человечества, разделенного при сооружении Вавилонской башни. Однако строительство грандиозного монумента высотой 400 метров так и не было осуществлено, а выполненные художником модели не сохранились. Реконструкция памятника, хранящаяся в Третьяковской галерее, была создана к выставке художника, прошедшей в 1993–1994 годах.

Башня Татлина представлена в зале второго этажа.

«Купание красного коня» — одна из важнейших картин в творчестве Кузьмы Петрова-Водкина. В этом полотне мастер соединил традиции классической западноевропейской живописи и древнерусской иконы с эстетикой символизма и модерна. Синтезируя новейшие и традиционные приемы, художник превратил обычную деревенскую сцену в эпическую картину видения будущего, в символ приближающейся эпохи.

Работа над произведением началась весной 1912 года с этюдных зарисовок сцены купания лошадей на Волге. В итоговом холсте художник изменил расположение фигур, следуя собственной теоретической системе, в основе которой лежал принцип сферической перспективы. Фигуры и пространство в картине представлены одновременно сверху и сбоку, благодаря чему создается ощущение «земли как планеты».

Ради предельной выразительности цвета Петров-Водкин отказывается от изображения теней и рефлексов, используя чистые, локальные краски. В этот же период художник сформулировал принцип трехцветия, в котором выделил синий, желтый и красный, считая остальные оттенки производными от их смешения. В «Купании красного коня» основные цвета максимально усиливают друг друга, подчеркивая чувство нереальности происходящего и поднимая бытовой сюжет на мифологический уровень.

В русской традиции образ коня связан с победой добра над злом, а также с солнцем, побеждающим тьму. Петров-Водкин привносит в этот мотив размышление о будущем. Ставя в центр своего полотна огненного коня, художник задает тревожный тон своему предчувствию. Однако конем правит светлая фигура хрупкого юноши, а значит, сила подчинена сознанию, что дает веру в победу Света над Тьмой.

Посмотреть картину можно в Зале №1.

Картина «Павлин под ярким солнцем» была написана Наталией Гончаровой в период поиска нового художественного языка. Пытаясь создать оригинальный стиль живописи, мастера русского авангарда обращались к разным источникам — от архаики и иконописи до самых современных художественных движений.

«Павлин под ярким солнцем» стал частью серии «Художественные возможности по поводу павлина», куда также вошли картины в китайском, футуристическом, кубистическом, русской вышивки и прочих стилях, как их называла сама художница. Взяв за основу образ экзотической птицы, Гончарова показала, как можно создать современное произведение в диалоге с искусством разных направлений и эпох. Стиль «Павлина под ярким солнцем» определен ею как египетский — из-за особого колорита и декоративности изображения, отсылающими к искусству Древнего Египта. Картина выполнена в духе неопримитивизма, где черты народного и архаичного искусства переосмыслены современным художником. Так «египетский павлин» напоминает нам о персонаже русского народного эпоса — Жар-птице.

Картина представлена в Зале №2.

Натюрморт «Сухие краски» был написан в 1913 году и является своеобразной лабораторией художника для комбинирования различных изобразительных приемов — размашистые мазки, свободная лепка объемов, «весомость» объектов изображения. Полотно включает элементы коллажа — наклейки на банках с красками настоящие.

Кончаловский — один из первых русских авангардистов, отреагировавших на кубизм. В асимметрии формы, ломаных контурах и градиентных черно-белых тенях натюрморта угадывается влияние Пикассо и Брака. Обыденные предметы из обихода художника — склянки, порошки пигментов, кисти, инструменты для растирания краски и прочее — написаны столь ярко и контрастно, что кажутся значимыми и монументальными, подобно громоздящимся зданиям в центре города.

«Сухие краски» — знаковое полотно, квинтэссенция художественных открытий Кончаловского, который вместе со своими единомышленниками из объединения «Бубновый валет» внедрял новое искусство с его нарочитой осязаемостью фактуры, деформацией объемов, обобщением форм и яркой неистовой красочностью.

Посмотреть работу можно в Зале №4.

Один из создателей объединения «Бубновый валет», футурист, учившийся у французских кубистов, Аристарх Лентулов в середине 1910-х годов создает серию городских пейзажей, воплотивших новые представления о возможностях живописи. Соотношение цвета и звука, связь которых ощущал художник, передано через вибрирующее цветовое поле холста, что отражает футуристический принцип цветодинамики. Форма здесь сдвигается, распадается на цветовые плоскости, подобно граням кристалла или игре отражений в калейдоскопе.

«Василий Блаженный» — одна из центральных работ серии монументальных панно, которые создает Лентулов в начале прошлого века. Покровский собор, в народе носящий имя святого юродивого, превращается в условно-собирательный, даже сказочный образ храма, сочетая в себе обобщенные черты памятников древнерусского зодчества, но не теряет своей индивидуальности и легко узнаваем.

Игра форм и объемов, рассыпающихся и собирающихся в тот же момент, дублирующие друг друга очертания позволяют зрителю увидеть собор глазами художника как будто с нескольких ракурсов одновременно.

Работа находится в Зале №5.

Василий Кандинский — первооткрыватель беспредметной живописи, направления искусства, отказавшегося от изображения реального мира. «Композиция VII» — одно из первых абстрактных полотен мастера, его программное произведение. В своей живописи Кандинский стремился передать суть, внутреннее содержание предметов и явлений. Художник был уверен, что копирование реальности не способно передать ее духовную основу, а создает лишь лишенные смысла оттиски.

В изобретенной Кандинским беспредметной живописи исчезают не только знакомые предметы, но и другие черты традиционной картины: линия горизонта, четкое деление на верх и низ, ближний и дальний планы. Отсутствие привычных композиционных построений, а также большой размер полотна погружают зрителя в живописную стихию, которая живет и трансформируется прямо на глазах.

Кандинский разрабатывал теорию абстрактного искусства, определяя своей задачей создание живописи подобной музыке, а каждому цвету дать точное эмоциональное определение (синий как «элемент покоя», красный как «ощущение силы» и т. д.). Творя этот новый живописный мир в «Композиции VII», художник сталкивает цвета и формы, которые взаимодействуют с друг другом по музыкальному принципу контрапункта. Все эти сложные танцы форм и цвета, многоуровневые столкновения объединены общим движением и развиваются по диагонали, прибывая в едином пространстве белого цвета. Поверхность белого также разложена на множество цветовых оттенков, представая живым вибрирующим пространством, местом рождения и примирения всех конфликтов.

Зал №11.

Важнейшим художественным открытием Малевича стал супрематизм — одно из направлений абстрактной живописи. Пройдя через опыт чистой беспредметности, в конце 1920-х годов художник, как и многие его европейские современники, вновь обращается к фигуративному искусству. В работы Малевича возвращается линия горизонта, разделяющая небо и землю. В картине «Женщина с граблями» художник использует принципы беспредметной живописи в изображении реального мира. Фигура крестьянки кажется собранной из разноцветных плоскостей, которые соединяются в выразительный узнаваемый силуэт. Несмотря на условность изображения, легко заметить, что у крестьянки красивый праздничный наряд, подчеркнутый пылающим красным цветом.

В обращении Казимира Малевича к крестьянской теме было много личного. Детство будущего авангардиста прошло в сельской местности, его отец работал инженером на сахарных заводах. С малых лет художник наблюдал за жизнью крестьян, трудившихся на свекольных полях. Художнику нравилось народное искусство — вышивки, шитье, резьба по дереву, и сам он участвовал в росписи крестьянских печей.

Зал №14.